Non mi sono mai posto il problema, soprattutto perché Fate interessa relativamente poco. In generale non ci vedo nulla di male a sbagliare gli ordini di visione o di lettura, il mio consiglio è sempre “Go with the Flow”.

Non sai quanto mi ha fatto felice questo avvenimento grandioso! Ora potrò coronare il suo sogno di intervistarlo. Il profilo è questo per chi lo volesse seguire https://twitter.com/181ino

Secondo Netflix anche gli anime televisivi i cui diritti internazionali finiscono con l’essere comprati dall’azienda vengono considerati “Originali Netflix” quindi dal loro punto di vista sì, un anime che ha NX nel proprio comitato ha questa dicitura. Ma questa loro prospettiva sul prodotto finisce col far perdere valore a questa categoria a mio avviso. Ora come ora un anime “a Netflix original series” non è differente da qualsiasi altro da un punto di vista produttivo.

Infatti non dovrebbe nemmeno esistere quel che hai scritto!

Quello di “Momo e no tegami”, che presenta tra l’altro commenti molto puntuali di Hiroyuki Okiura su animatori come Toshiyuki Inoue e Shinya Ohira. Sennò quello di Angel Beats che è molto completo.

Di cosa parli?

Assolutamente vero, dateci altre foto del best Yoshinari!

Mandarake https://order.mandarake.co.jp/order/
Toranoana http://www.toranoana.jp/
Melonbooks https://www.melonbooks.co.jp/

The Twilight Zone(1959) soprattutto perché mi ha permesso di notare come certi “trope” che credevo piuttosto recenti all’infuori della letteratura in realtà già venivano rielaborati e sfruttati al meglio in altri medium anche solo dopo pochi anni dalla loro diffusione e accettazione nel mondo della carta. In generale apprezzo molto la fantascienza vecchio stile per molteplici ragioni che sono ben lontane da quanto detto sopra ma devo ammettere che io di serie televisive e di film live action ne vedo pochi pochi rispetto a quelli animati, ergo la mia opinione vale molto poco, perdonatemi . Sono più il tipo da Cartoni/libri/fumetti(in questo ordine forse???) che da film/serie televisive alla “Netflix” perché come forse sapete (https://curiouscat.me/FAR_from_Animation/post/220401151) il rapporto che c’è tra me e gli attori è abbastanza problematico. Ho quasi una fobia per gli attori che fanno solo cinema, non riesco mai a soffermarmi sulle loro espressioni.

Sì non c’è nulla di strano in questo, è il motore principale del lavoro di Seiya Numata!

Sono in buoni rapporti con Paolo per quanto spesso e volentieri mi trovo a non condividere le sue opinioni o le sue scelte. Facendomi un breve ma attento esame di coscienza, è impossibile non citarlo tra le mie primissime influenze poiché se non fossi entrato nel suo circolo probabilmente oggi sarei una persona piuttosto differente e quasi sicuramente mi dedicherei ad altro nella vita. La mia passione per i cartoni animati si sarebbe affievolita dopo poco e avrei approfondito maggiormente altri dei miei tantissimi interessi, ne sono quasi certo. Per quanto si possano creare dissonanze tra me e lui o per quanto possa discordare con ciò che dice è comunque l’innegabile punto di partenza di FFA, insieme in parte anche ad Italo, e in questo senso provo un profondo rispetto nei suoi confronti.

-Hironori Tanaka per i motivi elencati nella domanda su Kanada(https://curiouscat.me/FAR_from_Animation/post/244959572).
-Yutaka Nakamura per l’influenza enorme che ha avuto sulla seconda ondata di animatori Web Gen. (Dove la prima ondata sono animatori come Chimo e Yamashita, la seconda Sakazume e Shun Enokido mentre della terza fanno parte China, Onsen e soty per intenderci meglio)
– Masayoshi Tanaka poiché i suoi design sono estremamente versatili e dannatamente popolari sia tra il pubblico che tra gli addetti ai lavori.
– Yoshimichi Kameda, uno dei pochi fortunati character designer a riuscire ad ottenere uno show, Mob PSycho 100, interamente realizzato visivamente sulla base della sua sensibilità estetica.
-Nobuyuki Mitani, Tetsuya Takeuchi, Masayuki Nonaka, Yuusuke Matsuo e Atsushi Nishigori poiché quasi tutto l’acting contemporaneo negli anime pieni di KAWAII ONNANOKO sono modellati sul loro stile.
-Yukiko Horiguchi è un’altra character designer stimata ed amata dall’intero settore che ha influenzato persino artisti suoi coetanei come Toshifumi Akai.
Sicuramente l’animazione giapponese attuale avrebbe un volto diverso senza i nomi qui citati, ad eccezione di Kameda che pare essere influente più che altro in cerchie ristrette.

Sul sito degli studi e nei report ufficiali.

Buona fortuna allora! Spero proprio che tu possa realizzare questo sogno, che come tutti i sogni appare meraviglioso nella mente di chi lo ha prodotto. Per diventare “come me” ci vuole davvero poco, non è qualcosa di così speciale, per cui vedrai che ci riuscirai presto.

Tanti, pochi, un buon numero, un numero cattivo. Sono tutte cose che dipendono dal contesto, dalle circostanze in cui ti trovi. Dopo aver visto 200 anime sicuramente si è in grado di comprendere il funzionamento di alcuni meccanismi narrativi e si scorgono molti elementi ricorrenti ma non si può certo dire che si abbia esplorato il medium in lungo e in largo con quella cifra. Si possono racchiudere in soli 200 titoli tutti gli anime che meritano assolutamente di essere visti? Non lo so ma di certo non apprezzo molto questa cultura del numero che smette di essere un dato contestuale e diviene la misura del valore di uno spettatore. 1 non vale sempre 1 e la somma di quegli 1 non quantifica la qualità dei tuoi gusti o dei tuoi responsi.

In tutta onestà, ritengo che riflessioni di questo tipo vengano fatte troppo poco spesso. E sono abbastanza convinto che alla maggior parte degli utenti nemmeno interessi leggere gli articoli di un critico che fa il possibile per farsi comprendere al meglio dai suoi lettori e che articola le proprie riflessioni in maniera ponderata. Credo che le masse preferiscano di gran lunga trovare qualcuno che valorizza la loro opinione o che con un certo carisma dice loro cosa pensare. Che essenzialmente è ciò che fanno i casualoni in ogni cosa, tenere in piedi certe “finte autorità” per via del loro disinteresse per la materia. Ovviamente questa riflessione potrebbe sembrare abbastanza fatalista ma il punto a cui vorrei arrivare è certamente un altro: quando ci si trova di fronte ad un “critico” che produce delle affermazioni che presentano dei problemi a livello argomentativo bisognerebbe far presente a lui quelle particolari fallacie e chiedergli di argomentare meglio o di fare luce su punti che ha trattato in maniera poco specifica. Questo tipo di intromissioni non solo permettono al critico di crescere ma possono diventare terreno per degli spunti di riflessione molto più propositivi di quelli che si potrebbero ottenere con un attacco all’opinione espressa. Una volta che si capisce come “funziona” il metro di giudizio di quel critico risulta già più semplice comprendere e ricollocare le riflessioni per dare loro maggiore utilità. Certamente non credo poi che esistano dei “gusti oggettivi” a cui ci si può avvicinare ma ritengo fermamente che tra le abilità più importanti di un critico ci sia soprattutto quella di riuscire ad analizzare le sue stesse opinioni per purificarle dai pregiudizi e dalle questioni puramente personali. E credo sia assolutamente possibile fare questo, si tratta di qualcosa che cerco sempre di considerare quando scrivo un articolo. Non credo però, come dice Bo, che questo sia legato solo ed esclusivamente alla conoscenza di un medium, sono convinto che abbia un certo collegamento con l’animo dell’individuo e con il suo modo di porsi al pubblico. Ci sono persone che amano parlare e produrre contenuti in velocità senza preoccuparsi troppo delle conseguenze e altri che preferiscono fare ricerche e analizzare molto prima di dire la loro e questo influisce certamente sicuramente sulle loro valutazioni.

Uscirà presto, sarà uno dei prossimi, se non il prossimo addirittura!

Sì, ovviamente vi sono diverse scritte in giapponese e indicazioni presenti sui keyframes e sui layout stessi ma non sono necessarie per godersi il volume.

1) Costi troppo elevati degli episodi dovuti ad un eccessivo uso di freelancer.
2)Capitale investito nei comitati di produzione che non rientrava.
3)Investimenti di varia natura che si sono rivelati fallimentari.
3)Staff talentuoso che è passato alla Khara nel 2005 e alla Trigger nel 2010-11. Si parla di grandi registi e animatori ma anche di production assistant e production desk particolarmente resistenti e lungimiranti.

Per prima cosa facciamo la trascrizione della raw in giapponese che viene successivamente checkata. Si passa poi alla traduzione vera e propria e una volta completa la sia adatta in un inglese degno di questo nome. Il typesetting viene fatto manualmente e poi i sottotitoli vengono muxati sulla raw dei Moozzi2.

Ehm, dipende dal traduttore! Mediamente può essere accostato ai crediti di 仕上げ(Shiage) o 仕上(Shiaga) o ペイント(Peinto) o デジタルペイント(Dejitarupeinto) o デジタル彩色(Dejitaru saishiki) ovvero coloro che colorano materialmente ogni singolo frame dell’episodio. Non hanno libertà artistica. Quando ancora la colorazione digitale e quella in cel coesistevano spesso erano creditati con デジタル彩色(Dejitaru saishiki). Oppure può essere la traduzione di 仕上げ検査(Shiage kensa) ovvero colui che supervisiona il digital coloring. Solitamente il suo compito si limita nel correggere gli errori. Edit: mediamente è la prima risposta che ho dato, comunque.

Si tratterà sicuramente di un film in puro stile Mari Okada in termini di scrittura e di sensibilità nella supervisione dei vari aspetti tecnici ma credo che gli storyboard verranno prodotti prevalentemente da altri artisti, dal momento che non ha mai curato la direzione generale di nemmeno un singolo episodio anime. Quel poco dello staff di regia che è stato rivelato è davvero espertissimo per cui almeno dal punto di vista della presentazione visuale lo ritengo in buone mani. Tuttavia il motivo per cui aspetto questo film impazientemente non è tanto la curiosità legata al vedere come si comporterà la Okada come regista ma la presenza di Toshiyuki Inoue, “l’animatore perfetto”, come presenza fissa nelle scene più importanti della pellicola. Egli non si faceva vedere alla key animation da oltre 3 anni e questa mancanza si faceva sentire abbastanza nel panorama della “sakuga” di questi ultimi tempi.

In tutta onestà, evitando discorsi ironici, credo possa essere un’interpretazione valida. Almeno nella prospettiva della “ragazza fallica” elaborata da Saito Tamaki. Sicuramente la siringa gigante secondo lo studioso fa ergere Komugi a “sento bishoujo” a livello visivo. Inoltre c’è da dire che Nurse Witch è un anime pienamente consapevole dei discorsi in merito alle mahou shoujo e agli otaku del periodo in cui è uscita, quindi non mi stupirebbe che qualche membro dello staff fosse stato a conoscenza delle teorie di Tamaki durante la produzione della serie, o di una qualche loro strumentalizzazione o interpretazione erronea.

Questa la so! Voleva diventare UN GATTO!

Sì, fa il Character designer di Eiga Doraemon: Nobita no Takarajima. Per ora si sa solo quello.

In realtà esiste una bella pubblicazione annuale intitolata “Manga Academica. Rivista di studi sul fumetto e sul cinema di animazione giapponese” non molto diversa dalla ” Mechademia” americana. La trovate nella sezione Oriente della casa editrice “Società Editrice La Torre” https://www.editricelatorre.it/index.php?option=com_virtuemart&view=category&virtuemart_category_id=13
Ad ogni modo, negli ultimi anni figurano anche dei corsi universitari come questo http://www.unive.it/data/insegnamento/190002 Non ho però idea della qualità di questi corsi e non ne ho mai sentito parlare direttamente.

1) Imparare a leggere quantomeno un pochino in giapponese. In questo modo quando qualcuno rivela qualcosa non sei obbligato ad utilizzare Google Traduttore che può causare molte incomprensioni.
2) Imparare a leggere i crediti di fine episodio. Essi forniscono un’idea generale su come sta andando la produzione molto ampia che uno due tweet ermetici (vero China?). Inoltre in questa maniera conoscerai quasi esattamente tutte le professioni coinvolte nella produzione di un episodio di un Anime.
3) Guardarsi tanti, tanti, tanti, tanti making-of. Quelli sono la base per concretizzare le conoscenze attraverso la visione di spazi, strumenti, tempistiche e processi, inoltre vederne un buon numero ti permette di capire cosa è normale e cosa non lo e. Nei canali dedicati (nyaa, bakabt e simili) ne trovate tanti.
4)Leggere tutti gli articoli fino ad ora usciti di FFA e di Sakugablog. Questa è la cosa più semplice che potete fare perché non dovete andare alla ricerca di contenuti particolari che possono risultare sia complicati da trovare che da decifrare. Ovviamente se avete domande di qualsiasi tipo io sono sempre qui pronto a rispondere. Pure Kevin e gli altri sono gentilissimi e disponibilissimi comunque.
5)Seguire tanti membri dello staff degli anime, non solo animatori, su twitter e seguire i vari retroscena che lì vengono svelati. Ci sono anche tanti gruppetti che discutono di queste cose, pure in inglese, ma sono quasi tutti estremamente esoterici e io stesso ho faticato ed entrarci. Se riuscite ad entrarci bene, se no amen. Ci sono tante persone che condividono informazioni sull’argomento senza fare parte di queste chat, tanto per dire.

Non ho mai visto quei film putroppo. Magari li recupererò in futuro e ti farò sapere.

È stato sicuramente un anime di mio gradimento. Dal punto di vista della scrittura sono stato molto felice di notare come Okochi abbia deciso di andare a sviscerare alcuni aspetti legati all’interiorità dei personaggi che nel fumetto originale mi sono parsi molto meccanicistici e in questo senso ha raccontato più la sua storia di Akira泣き虫 (nakimushi), di Akira “crybaby” appunto, piuttosto che il racconto “universale” del fumetto che però almeno a livello formale condivide molti eventi importanti in comune. Non ho apprezzato moltissimo la maniera in cui Yuasa ha gestito molte tempistiche e come certi elementi secondari (rap, religione cristiana, il mondo dello sport e delle gravure idol) non si sono poi amalgamati sempre così bene con le tematiche centrali e spesse volte sono stati inseriti per poi svanire completamente. Il messaggio finale, per quanto non così originale ed elaborato, è stato veicolato con chiarezza e anche sotto questo aspetto è riuscito a raggiungere un’identità propria allontanandosi dal nichilismo del fumetto di Nagai. Gli storyboard di alcune puntate (1-5-9-10) erano davvero fantastici, il nono episodio è stato davvero memorabile, e in generale hanno retto bene uno show da maratona televisiva grazie anche alla quasi totale assenza di cut “ambientali” e momenti morti. Per fortuna questa volta sono stati ingaggiati animatori che non sono soliti usare delle lineart o delle tecniche particolari per i loro lavori ed è stata data molta fiducia a personalità molto promettenti come Naoya Wada, Takashi Kojima, Kiyotaka Oshiyama e Tomohisa Shimoyama che hanno degli stili d’animazione e di supervisione dei disegni che sono molto più adatti rispetto a quelli di Michio Mihara o di un Ohira ad essere poi completati attraverso le inbetween e la colorazione in flash. Rispetto a Lu no Uta questo anime ha avuto un accorpamento di espressioni classiche da anime e facce più cartoonesche decisamente più ragionato e che non ha diviso nettamente in due (o in 3, a seconda di come la volete vedere) la direzione delle animazioni. La fotografia e il comparto di color design sono riusciti a fare un ottimo lavoro nella gestione delle atmosfere e non hanno creato un codice cromatico magari troppo poco espressivo come quelli di Ping Pong o di Tatami/Yorumiji e in questo senso mi sembra un ottimo passo avanti per come Yuasa gestisce espressivamente i suoi colori. In definitiva, Devilman crybaby è stato un anime sicuramente complicato da realizzare ma di cui non comprendo ancora così bene l’obiettivo iniziale, per cui mi risulta anche piuttosto difficile cercare di chiedermi cosa poteva essere realizzato in maniera migliore e cosa poteva essere lasciato da parte, eppure lo considero un buon anime. Certamente non un capolavoro che ricorderemo fra qualche decina d’anni ma sicuramente qualcosa che vale il tempo impiegato per vederlo.

Senza ombra di dubbio si tratta di uno di quei registi le cui abilità si sono sviluppate più sul versante quantitativo che su quello qualitativo e non si tratta affatto di un’affermazione dispregiativa dal momento che se non avesse fatto gli storyboard per ben 11 episodi di Bahamut S2 probabilmente la MAPPA a quest’ora sarebbe già morta. So che è un tizio appassionato di design e di loghi e spesso supervisiona o realizza lui stesso il titolo grafico degli anime a cui lavora e questa mi è sempre sembrata una cosa molto originale e interessante. Pure come animation director ho sentito parlare di lui sempre molto positivamente. Io non l’ho mai approfondito particolarmente in realtà–

Toccherà al sottoscritto scendere in campo perché in inglese non c’è niente.

Malesani sicuramente aveva un conto in sospeso con i Looking-Glass Insects.

Ma lo sai che Kanada non è vivo, vero?

Ma veramente io non ho una schedule giornaliera! Non credo nemmeno di fare così tante cose ogni giorno. Poi c’è anche da dire che da quando soffro di cefalee continue è diventato molto difficile rispettare un’variegato insieme di impegni giornalieri. Forse il segreto è quello di pensare programmi a medio-lungo termine? Non ne ho idea ma per me si sta rivelando più utile lavorare a questa maniera. Forse potrei applicare questa regola anche a FFA, visto che ultimamente sta andando un po’ tutto a rilento.

Perché hanno dei problemi di sceneggiatura, poi dire che sono indiscutibilmente i più brutti mi pare eccessivo: abbiamo avuto anche robaccia come Seed Destiny, Wing, Age o X che a mio avviso sono molto peggio dei titoli da te citati. Specificatamente Turn A ha avuto una dilatazione temporale troppo faticosa da digerire per molti nella parte centrale della serie, CCA ha sviluppato molti sottotesti inutili ai fini della trama generale che non hanno arricchito minamente il film mentre Unicorn ha avuto degli elementi tipici del sottogenere “Super Robot” e ha tagliato i punti con tutta la continuity. Fondamentalmente, non è che spendendo un capitale maggiore si vanno a contattare sceneggiatori che possono dedicare più energie ad un progetto. C’è anche da dire poi che I registi di Gundam sono molto “autoriali” e spesso impongono le proprie idee all’interno degli storyoboard anche andando a sacrificare certi aspetti della scrittura.

Grazie mille amico/a!

Mai letto, ma tutti mi hanno sempre parlato dell’edizione italiana molto negativamente a causa dell’assenza di alcuni capitoli.

Veramente non mi riferivo a nessun anime in particolare. Era una situazione stereotipata.

In realtà non mi stavo a Higurashi, ma tutto ciò non è importante. Purtroppo non esistono dei “libri” per imparare a riconoscere gli animatori, per allenare l’occhio mi sono visto tutti i post della sakugabooru (all’epoca erano solo 20.000 per fortuna) e ho guardato quanti più Sakuga MAD possibili con i lavori dei vari animatori (dovrebbe esserci ancora una playlist che avevo composto sul mio canale Youtube). Per quanto riguarda i registi invece è stato molto più semplice poiché ho dovuto checkare ANN e successivamente le wiki giapponesi per farmi un’idea generale del loro stile comparando gli episodi diretti da loro che avevo visto. È stato un processo molto più “passivo”, se così possiamo dire. Ecco, un consiglio che darei è quello di non sottovalutare mai il lavoro da 演出(Enshutsu), ovvero da episode director e da 絵コンテ(Ekonte) ovvero da storyboarder perché spesso le singole puntate possono essere davvero utili per comprendere come un regista si approccia anche a piccoli dettagli o a situazioni tipo. Per quanto riguarda gli animatori invece consiglierei di non preoccuparsi troppo di sviluppare un occhio infallibile su certi singoli artisti, ritengo sia ben più utile farsi un’idea di tutti gli stili d’animazione più importanti che si sono sviluppati nel corso della Storia degli anime. E per fare questo credo sia necessario vedere quanto più “sakuga” possibili.

Sfidami a duello sul tetto della scuola, uccidimi e poi cibati dei miei resti! In questo modo diventerai il secondo FAR e sarai costretto a proseguire la mia opera di sakughizzazione del Reale. Otterrai i Mistici Occhi della Percezione Sakuga, una valanga di conoscenze inutili sugli anime e soffrirai di frequenti cefalee (ride). Tralasciando questo insieme di battute sulla lore di Far from Animation, credo che un’ottima strategia possa essere porre delle domande specifiche alla persona che possiede quelle particolari skill che ti interessano in modo tale da cercare di replicare parzialmente la schedule che quell’individuo ha adoperato per ottenere i risultati che vorresti raggiungere anche tu. Conoscendo i tuoi punti di forza e le tecniche di apprendimento che ti sono più vicine potrai poi deviare dal percorso originario per crearne uno più adatto a te. Dalla mia non credo di padroneggiare qualcosa di così particolare da trasmettere agli altri, in tutta onestà, però appunto se c’è qualche tipo di conoscenza specifica che posso trasmetterti non esitare a farmi qualche domanda più circoscritta.

Sì, ecco qui: https://pastebin.com/CJg8XPRV

Probabilmente lotteremmo per il naso di Ayaneru o per stabilire chi è l’Ultracreatura più normie, quella più Boring e la best yamanoko di Yama no Susume.

Devo ammettere che sei proprio un lettore affezionato, in grado di tirare fuori una variegata schiera di pseudocitazioni che vanno ben oltre lo stereotipo. Bene o male sono tutte cose che ho scritto su Facebook o sul sito, oppure che ho lasciato intendere in qualche maniera. In particolar modo, il discorso “Kanada e gli occhiali da sole non pensavo fosse molto conosciuto e invece c’è qualcuno che è riuscito a tirarlo fuori (ride). Non capisco però perché la “GF FAR” abbia quell’aspetto quasi demoniaco (ride ancora) ma va bene così. Per quanto riguarda la questione Heaven’s Feel credo proprio che non avrà un episodio dedicato de “Vale la pena vederlo al cinema?” perché sono quasi certo che non riuscirò a vederlo in anteprima.

Non ne ho idea.

Un comune rapporto senpai-kohai, lo giuro!

Vengono scelti degli sceneggiatori specializzati in ambiti particolari o che comunque conoscono quel contesto. Per esempio Atsuhiro Tomioka (冨岡 淳広) è specializzato in giochi di carte, Pokemon e nel gioco del Calcio e si dedica praticamente solo ad episodi o ad anime legati a questi ambiti. Shin Yoshida (吉田 伸 ), il principale sceneggiatore di Yu-Gi-Oh, supervisiona o scrive direttamente i duelli dei personaggi dalla serie del ’00.

Visto che la mia risposta era troppo lunga dovrai aprire questo link https://pastebin.com/2LdGK3dr

Non ne ho idea.

Sarebbe interessante da fare, ma ci sono due problemi di fondo:
1) Non conosco nessuno della mia area che sarebbe disposto a partecipare. Forse uno, ma non sempre disponibile credo.
2) E se voi lettori foste dei denpaboy e delle denpagirls con forti tendenze omicide? Sarebbe pericoloso per tutte le parti coinvolte.
Ok, la seconda è un po’ una scemata ma la prima questione persiste. Quindi bisognerebbe trovare il modo di capire dove siete e fino a dove potete spostarvi. Se si riescono a trovare almeno 3-4 persone non vedo perché non organizzare un evento di questo tipo.

Ma noi chi? (ride)

Mi fai commuovere così! Volevo scrivere il meme del “se non si cambia si finisce col perire sotto la stagnazione” ma non mi sembra proprio il caso. Grazie mille! Il vostro affetto si percepisce con chiarezza nel mio cuore.

Suzumiya Haruhi no Yuuutsu e Full Metal Panic? Fumoffu perché sono stati tra i primissimi cartoni animati giapponesi che ho visto grazie al magico potere degli streaming di bassissima qualità che andavano tanto di moda quando ero in prima media.
Lucky☆Star, senza questa serie Subahibi sarebbe qualcosa di nettamente diverso. Battute lasciate da parte, lì si sono iniziate a vedere alcune scelte di storyboarding che tanto amo della Kyoto Animation e ci sono tanti personaggi che mi sono rimasti nel cuore.
K-On! Citando Toshiyuki Inoue: “Il pinnacolo dell’animazione televisiva giapponese”.
Hyouka, forse l’unica serie anime che abbia visto in grado di integrare davvero degnamente sia una certa consistenza visiva in tutti gli episodi con un sacco di trovate inventive in grado di stimolare molto la propria immaginazione, soprattutto quando si parla di sogni ad occhi aperti.
Extra Film section: Mirai-hen, Tamako Love Story, Eiga K-on!
Koe no Katachi mi è piaciuto moltissimo ma non al livello di quelli che ho citato.

Sicuramente non è lo studio a cui affiderei tutte le mie speranze in questo preciso momento storico. Deen è una colonna portante dell’animazione giapponese fin dagli anni 80’, non si tratta certo di uno studio in grado di fallire così facilmente e negli ultimi 2-3 anni ha dimostrato di avere una certa cura nei confronti di alcuni suoi progetti (Shōwa Genroku Rakugo Shinju, Kono Subarashii Sekai ni Shukufuku o! e Jigoku Shōjo) ma non ci troviamo ancora in una fase nella quale mi sento di fare completamente pace con lo studio. Sta ancora cercando la sua strada e deve ancora vincere innumerevoli e sanguinose battaglie per ritornare al suo originario splendore (che non lo rendeva affatto un’impresa dove era possibile realizzare sempre ottimi prodotti intendiamoci), basti pensare che ora ha un capitale sociale di 10 milioni di Yen mentre studi come la PA o Ordet stanno sempre su quella cifra pur producendo molto meno serie di loro. Al momento stanno assumendo personale di cinque diverse categorie, quindi sicuramente vedremo un’espansione visibile nei crediti dei loro anime nel breve periodo ma non necessariamente apprezzabile dal grande pubblico. In generale però non mi aspetto chissà quali grandi risultati uno dopo l’altro, stiamo pur sempre parlando di un’azienda che non ha minimamente intenzione di innovare la propria struttura che presenta comunque evidenti falle, come tanti altri studi d’animazione giapponesi “classici” del resto.

È un anime meraviglioso se lo metti a paragone con Tsui no Sora.

Credo che, soprattutto in termini di tempistiche, esageri un pochino ma non si tratta dal mio punto di vista di un discorso così insensato. Basti pensare alla produzione cinese di quest’anno “The King’s Avatar”(全职高手) che è stata realizzata completamente da mani cinesi: Il cartone animato in questione ha avuto un certo successo anche in Occidente e ha fatto parlare di sé anche in Giappone, nonostante molte scelte tecniche sicuramente discutibili, perché è riuscito ad intrufolarsi all’interno di un grande mercato, quello dei fan degli anime “Young Adult” se così possiamo dire, raccontando del mondo dei videogiocatori professionisti, argomento del tutto assente nelle produzioni giapponesi nonostante la discreta popolarità di cui gode tra i fan cinesi degli anime, in maniera molto attraente e legandola a troupes popolarissimi dell’animazione giapponese quali l’Isekai e l’autorappresentazione nei Netoge. The King’s Avatar non è certo una produzione di qualità, sia in termini di scrittura che come prodotto animato, però risponde a delle esigenze narrative “adulte” che gli anime non riescono a prendere in considerazione in questo preciso momento storico e al contempo riesce a attraverso effetti di fotografia, palesemente ispirati a quelli dei film di Makoto Shinkai, a nascondere le sue falle in termini di animazioni 3D e sfondi. Il settore dell’animazione in Cina vive una forte crescita e basterebbero tre o quattro The King’s Avatar a stagione per distruggere la cattiva reputazione dei cartoni animati cinesi che si sta venendo a creare a causa delle povere coproduzioni con studi nipponici. Inoltre, il mercato di webnovel e fumetti in quel paese è davvero enorme, e già oggi vi è una quantità enorme di opere originali da cui attingere per produrre cartoni animati per un pubblico di “giovani adulti otaku di sesso maschile” in grado di attraversare i confini del paese. Quello che manca alla Cina è sicuramente una politica similare al “Cool Japan” che in passato ha favorito l’esportazione degli anime nel mondo occidentale, ma per una potenza economica di tale livello non sarà certo difficile attuare un piano del genere in tempi brevi. Non credo però che questa espansione porterà ad un declino dell’animazione nipponica, penso piuttosto che rappresenterà un momento di riflessione importante in grado di far emergere quelle che si riveleranno poi le caratteristiche essenziali e maggiormente pregevoli degli anime delle prossime decadi, nonché le opere e gli studi più innovativi ed adatti a rappresentare uno “showcase mondiale” dell’animazione giapponese.

È un ottimo animatore ma la sua abilità più straordinaria risiede forse nella sua abilità di correggere i disegni altrui con una grande rapidità e utilizzando tratti molto semplici ma al contempo ricche di stile, che ad un occhio poco esperto potrebbero sembrare costruite in maniera meticolosa. Credo che sia sicuramente uno dei migliori supervisori delle animazioni in circolazione indipendentemente dalla tipologia del progetto in cui viene inserito mentre come Character Designer è sicuramente una figura esigente e dalla forte autorialità, che necessita ottimi animatori ad accostarlo. Non è un regista così esperto ma possiede ottimi contatti e amicizie di prim’ordine all’interno del settore (Shinichirou Watanabe e Sayo Yamamoto in primis) e queste gli hanno permesso certamente di arricchire con storyboard di altissimo livello le sue produzioni in passato. Gangsta a mio modesto avviso va considerata una produzione già morta in partenza, in cui lui ha potuto fare davvero ben poco.

Rispondo molto volentieri a questa domanda, soprattutto perché amo molto queste “fantaproduzioni” e spesso ne creo di differenti tipologie per puro divertimento, ma non ritengo si tratti della “migliore in assoluto” (comporre uno staff “definitivo” è sicuramente impossibile), piuttosto è una line-up molto divertente e sicuramente ricca di sorprese dove animatori e registi potranno dare sfoggio alla propria individualità ma, differentemente da Space Dandy, per dare una certa consistenza allo show avremo diverse presenze fisse. Enjoy!
https://justpaste.it/1egda

Non ho un’opinione così positiva dello studio ma nemmeno particolarmente negativo, esistono oramai da 15 anni eppure non hanno costruito una rete di contatti così forte( Kei Okawa, Kishi, Tetsuya Takeuchi e Ryo Araki sono gli unici 4 “affiliati storici” dello studio che ritengo degni di un corposo approfondimento) ma mediamente si trovano a lavorare con mestieranti come Yoshihisa Oyama e Itsuro Kawasaki che non sono proprio i registi a cui affiderei il mio lavoro se fossi l’autore dell’opera originale, ecco. Sempre parlando di questi due non credo che abbiano una qualche colpa o che non siano talentuosi, semplicemente vivendo in un ambiente brutale come quello dei cartoni animati forse non riescono a lavorare come meriterebbero. Poi ci sono molte altre figure che hanno sicuramente potenziale ma non sono riuscite ancora ad esprimerlo al meglio come Shigehito Takayanagi, Keichirou Kawaguchi e Hideki Okamoto( Nagasarete Airantou ha avuto i suoi bei momenti di espressionismo) che sicuramente ci daranno tante gioie in futuro ma a fare un bilancio del presente è difficile considerarli membri di spicco dell’animazione giapponese attuale ora come ora. Hanno 40 dipendenti( animatori fuori contratto inclusi) e non vogliono ingrandirsi al momento, spesso realizzano corsi di approfondimento e di “sopravvivenza” per i propri dipendenti e affiliati che è certamente qualcosa di lodevole però non credo che con la mole di lavoro che lo studio si procura continuamente questa premura porterà a qualche risultato visibile a noi spettatori. Loro sembrano tanto un grande studio, ma hanno solo 10 dipendenti in più della piccola Millepensee che fatica a realizzare anime da 12 ep x 24 minuti, e devono fare pesantemente affidamento sull’outsourcing, e questo ovviamente non permette poi di far crescere artisticamente il proprio staff come meriterebbe. In generale però mi pare che i loro ultimi lavori siano almeno una spanna avanti rispetto a quelli realizzati anche solo 5 anni fa (grazie sopratutto al personale che ho citato precedentemente), il loro futuro non mi pare così tetro rispetto a tante altre aziende per quanto non credo che diventeranno uno dei luoghi più interessanti per fare animazione nel prossimo decennio.

Apocrypha va in onda a mezzanotte e Barcellona ha il nostro stesso fuso orario, ergo alle ore 16 dell’altro ieri in Giappone era già domenica notte e potendo registrare il programma in qualche maniera se lo sarà visto la mattina seguente o avrà visto l’anime attraverso qualche servizio scadente come neetball per poi twittare al momento più opportuno. In realtà, ma non mi sembra certo una gran scoperta questa, gli anime si possono vedere anche prima dell’uscita delle raw.

Washio Sumi non l’ho visto, però ho intenzione di recuperarlo. Non credo di essere la persona più adatta a parlare del franchise perché ho il piacere di intrattenermi solo con il primo anime che comunque ho apprezzato abbastanza da consigliarlo ai fan del genere. Manga, VN e MV mi sono abbastanza sconosciuti, mi spiace!

Non credo siano proprio la stessa proprio la stessa espressione o che la posizione di Yui sia una citazione ad Haruhi: la cartoonesca bocca della ragazze delle HTT è un trope del fumetto e dell’animazione giapponese chiamato “口が3″(lett. la bocca è un 3) mentre Haru fa un semplice broncio. Non si possono proprio paragonare secondo me.

No, non sono stato mai un abile produttore di liste e dare voti agli anime sinceramente non mi interessa più. Ho provato una volta a continuare la mia vecchia MAL ma poi mi sono rifiutato perché era un processo troppo stupido e stancante. Ma per capire come mi stanno strette le liste basti sapere che ho provato a farne una recentemente su VNDB, dove i titoli da inserire erano una trentina se non meno, tuttavia mi sono fermato verso la metà del completamento. Se un cartone animato l’ho davvero visto di solito ritorna alla mia memoria quando mi viene posta una questione in merito a quello specifico titolo e poi riuscire a tirare fuori ogni singola serie sarebbe un’impresa titanica che richiederebbe davvero troppo tempo tempo che potrei spendere molto meglio. Se volete dei consigli chiedete pure qui senza spulciare il vecchio profilo.

Se si riesce a produrre uno shading di buon livello sulla pelle di Nikumi, allora sono propenso per incoronare lei. Altrimenti Yoko. La rappresentazione grafica è molto importante per poter amplificare al meglio un contrasto cromatico.

Visto che presto ci sono dei giorni di vacanza direi possiamo proprio puntare ad un chapter 2. Che giorni preferite?

1)Sicuramente la cosa mi rattristerebbe molto, stenterei a crederci in un primo momento e con ogni probabilità finirei col piangere ma io sono pur sempre una creatura che vuole fortemente guardare al futuro anche trovandosi davanti alle peggiori difficoltà. Sicuramente la decade 2007-2017 è stata davvero ricca e stimolante per quanto riguarda le produzioni animate giapponesi ma il futuro, amici miei, non è da meno. Ci sono studi come la Kyoto Animation che di anno in anno producono anime sempre più ricchi di dettagli visuali senza tradire i principi dell’animazione 2D, ci sono studi come la White Fox o la Ufotable che presto potranno contare su assetti simili a quelli dello studio di Naoko Yamada, ci sono giovani animatori come Yuusuke Matsuo o China che stanno sperimentando nuovi modi di raccontare la vita di tutti i giorni e ci sono creators a tutto tondo come Tatsuki che si spingono verso generi che ancora non esistono davvero ma sopratutto ci sono sempre più spettatori e questo porterà sicuramente ad una enorme diversificazione dell’offerta dell’animazione Giapponese. Basta soltanto approcciarsi a qualsiasi altro media in maniera un pochino approfondita per comprendere le limitazioni dell’animazione ma nonostante questo io voglio credere che tutto ciò che abbiamo visto fino ad oggi non sia altro che una percentuale infinitesimale di quello che l’animazione può fare. Voglio credere che le potenzialità dell’animazione possano espandersi ancora e ancora e ancora, per superare ogni difficoltà di natura comunicativa attraverso gli enormi sforzi e l’ingegno che ha sempre contraddistinto i professionisti di questo settore. Sono certo che, nonostante qualsiasi cataclisma possibile, ne vedremo delle belle anche in futuro. 4bis) Io credo sia una forma di discorso senza fondamento. Per carità, si può preferire il decennio che si vuole senza un motivo che anche i propri interlocutori possano trovare valido, però per affermare la superiorità di una decade rispetto ad un’altra bisogna avere visto davvero molti titoli ed è necessario comprendere l’evoluzione degli stili prevalenti nelle diverse epoche. Mi pare qualcosa che pochi possono permettersi di fare, anche tra i critici “professionisti”. Poi certo, se isoli qualche aspetto e affermi che “gli anime degli anni 90′- inzio 00′ hanno tentato sperimentazioni registiche e di sceneggiatura che oggi sono impraticabili” o “la decade migliore per i cavalli animati in 2D sono stati gli 80′ ” allora in qualche maniera posso trovarmi d’accordo o in disaccordo esponendo un’opinione ben costruita sull’argomento ma un’affermazione degna di ascolto di così “totalizzante” mi pare non-producibile ma soprattutto incomunicabile in maniera efficace. Ma credo che sia molto difficile riuscire a stabilire dei veri criteri di superiorità in grado di essere utili a spettatori e critica.

La mia prima impressione fu molto negativa: vi erano molti altri franchise idol e tutti, per una maniera o per un’altra, avevano qualcosa in più di Love Live. La prima stagione la guardai forzatamente e non mi piacque molto. Dalla seconda per poi passare al film ed infine a Sunshine cominciai a notare dei miglioramenti tecnici che mi resero la visione più gradevole e un pochino, soprattutto con il film, mi appassionai a qualche personaggio. Con la seconda stagione di Sunshine, per quanto a livello di sceneggiatura non è che l’anime riesca a fare proprio un ottimo lavoro nel veicolare le peculiarità delle singole ragazze, mi sono ritrovato a definire persino “memorabili” episodi come il 3. In particolare trovo che ci sia stato proprio un salto di qualità in termini di animazioni dei personaggi, background e studio delle luci. Le mie due Aqours preferite sono Yohane e Zuramaru.

I motivi per cui lo sto utilizzando sono essenzialmente due:
1) I gattini sono carini e spesso ne disegnano di nuovi.
2)Curious Cat è utilizzato da vari membri dall’allegra combriccola di Kevin-chan, quindi posso seguirli senza perdere troppo tempo così.

Mai successo. Una volta è capitato che mi venissero chiesti dei .torrent e, per via delle regole di curiouscat, non ho risposto. Si è trattato dell’unica volta in cui ho eliminato la domanda. In generale sono molto contento dei miei lettori perché si sono comportati sempre in maniera onesta e diretta con me.

è un gran regista secondo me, purtroppo molto sfortunato poiché avrebbe assolutamente bisogno di progetti che lo limitino il meno possibile in termini di controllo sul prodotto finito. Lui ha a mio avviso una grandissima abilità nel supervisionare le color palette più espressioniste e lontane dagli standard degli anime televisivi senza rovinare continuamente gli occhi degli spettatori e nel fare degli storyobard d’azione in cui gli scontri si sviluppano in maniera non così prevedibile attraverso posizionamenti della telecamera abbastanza inconsueti, addirittura “realisticamente” se con realismo intendiamo che in pochi cut qualcuno finisce col rimanere KO senza avere sempre un’ottima visuale di quanto avviene( ci sono alcune scene di Ranpo Kitan o di Seto no Hanoyome che sono realizzate magistralmente, almeno da questo punto di vista). Poi a volte riesce a creare degli ottimi anime anche con “le mani legate”, basti pensare a Carnival Phantasm, però certamente non uno di quei nomi di cui sono entusiasta quando lo ritrovo in una news, poiché appunto fino ad ora non ha mai dimostrato di riuscire con facilità a governare un progetto in cui inizialmente si ritrovava fortemente limitato da schedule, staff e prerogative del comitato di produzione.

Nanako Kuroi, la sensei che parla un dialetto del kansai tarocco e che è costantemente online. Non credo che faremmo delle vite poi tanto diverse da quelle attuali, e forse sarebbe uno dei motivi migliori per accettarla in tutto e per tutto. Non sono una persona che vorrebbe vivere una quotidianità tanto diversa da quella da cui sarei sommerso ora se non andassi a scuola . Lei insegna Storia del Mondo, mi sta molto bene, e penso riusciremmo a costruire una certa affinità tra di noi. Mi dispiace fino alle lacrime rifiutare Tsukasa, ma non penso che troverei una donna migliore di Nanako nel mondo di Lucky Star

Premettiamo subito qualche cosina, non intendo fare violenza verbale con queste parole sia ben chiaro: Le serie OAV originali sono un formato del passato, che sta esalando il suo ultimo respiro, mentre le mosse Z di Sun e Moon sono delle azioni che gli animatori del presente si trovano a realizzare. Trovare qualcosa di così simile è difficile, c’è da dire inoltre che Chara Acting vuol dire tutto e niente: letteralmente è “la recitazione di un personaggio” ma in realtà quasi tutto ciò fa un personaggio di sullo schermo con il suo corpo di fatto è recitare. In questo senso se le mosse Z fossero catalogate in maniera più “specifica” sarebbero molto più accostabili a tag della booru come “dancing” o “fighting”. Beh, c’è una vecchia serie oav dove i personaggi si muovono spesso come se ballassero, si tratta di Gosenzo-sama Banbanzai! (御先祖様万々歳！, lit. “Long Long Live the Ancestors!”) . Diretto da Mamoru Oshii con i design di Satoru Utsunomiya e tanti bravissimi animatori come Shinji Hashimoto e Mitsuo Iso, l’anime parla dell’arrivo di una parente proveniente dal futuro all’interno di una apparentemente normalissima famiglia giapponese. L’idea alla base dell’animation direction è quella di far recitare i personaggi attraverso le diverse possibilità espressive del teatro(avremo scene musical, un forte controllo sul peso dei personaggi e corpi che si muovono anche facendo movimenti non necessari in molti brillanti casi). Si dovrebbe trovare anche sub ita se ricordo bene.

Se Serval chan è sopravvissuta fammela vedere che sono in pensiero per lei da mesi.

Mi capita sempre in realtà. O meglio, mi capita sempre di sentirmi schiacciato dalla mia mancanza di sapere quando processo i miei pensieri su qualche opera. Per questo, se notate, i miei giudizi non sono quasi mai sul significato complessivo di un lavoro o sul valore di tale opera in quanto tale. Sull’apprezzamento in senso puramente percettivo oramai ho creato un rapporto occhio-cervello che mi fa apprezzare anche cose molto discutibili e di cui non comprendo l’origine culturale per il semplice fatto che sono molto discutibili.

Beh, secondo alcuni(Yoshimichi Kameda compreso), Hironori Tanaka è oggi un po’ quel che ha rappresentato Kanada soprattutto negli anni 80′, è un “all rounder”(nel senso che non è specializzato su una sola tipologia di animazione), è estremamente prolifico, è in grado di dare il suo contributo in maniera eccellente sia con animazioni molto brevi e da pochi frames che con sequenze molto lunghe e complesse, sia per l’animazione televisiva che per quella cinematografica. Il suo stile di animazione ha influenzato in maniera prepotente Megumi Kouno, ha influenzato la direzione delle animazioni di Kizumonogatari e di tutti gli anime SHAFT più recenti ed un sacco di animatori Dogakobo in termini di character animation, di animatori Kyoani addirittura in termini di FX animation(soprattutto negli episodi/anime diretti da Ishidate). Kanada, in un certo senso è stato fortunato poiché nel suo momento di massima ascesa le idee su come fare animation direction e su come fare animazione in generale nell’ambito degli anime televisivi erano relativamente poche. Oggi, e credo che sarà così anche in futuro, c’è un gran bisogno di una molteplicità di stili d’animazione anche per raccontare situazioni diverse tra loro e atmosfere differenti all’interno dello stesso episodio con un numero sempre maggiore di informazioni visive e per questo vi è una gran pluralità di possibilità tecniche accettate dai supervisori delle animazioni. A fine anni 70′ invece non vi era una grande necessità di fornire molte informazioni visive differenti all’interno degli episodi e per questo sarà facile nel decennio successivo passare da “direttori delle animazioni che correggono tutto ciò che non è in chara” a “direttori delle animazioni che approvano tutto quello che ha un che dello stile di Kanada”. Tanaka, come Kanada, ha un’enorme influenza sull’animazione attuale e l’ha prodotta davvero in poco tempo ma realizzare un intero anime nel suo stile sarebbe qualcosa che nessun regista approverebbe, perché per gli spettatori odierni sarebbe davvero monotematico in termini di informazioni visuali. Quindi, per concludere, credo che ci saranno sicuramente anche in futuro degli animatori che avranno un’influenza portentosa sull’intera animazione giapponese ma non credo che riusciranno ad imporla davvero a tutti, perché non è più nell’interesse di nessuno.

Sì!

L’ho apprezzato particolarmente in alcune delle sue opere, in particolar modo ricordo con immensa emozione i suoi episodi di Haibane Renmei(2 e 8). Trovo che sia molto abile nel creare atmosfere placide ma al contempo ricche di informazioni in grado di sedurre lo spettatore( attraverso tecniche come l’uso di leggeri lavori di fotografia con la luce, tanti elementi sonori diversi, inquadratura generale del colore molto uniforme) ma al contempo spesso fatica a creare storyboard di alto livello quando il ritmo della storia si fa più veloce e ricco di colpi di scena. Mi riferisco sopratutto a Durarara, dove la sua supervisione spesso è davvero anonima a mio modesto avviso. Per fortuna viene spesso affiancato da ottimi episode director e questa sua eccessiva limpidezza non intacca troppo il prodotto finito.

Nel prossimo articolo! Uscirà a breve.

Non me ne volere male ma risponderò a questa domanda solo quando mi dirai quali sono i tuoi interessi in maniera più specifica altrimenti facciamo notte.

Si può provare. Yasuhiro Takeda della Gainax mi segue con interesse su Twitter quindi anche se non rispondesse in un primo momento posso sfruttarlo come carta vincente per mettermi in contatto con il character designer.

Intanto dire “come te” in questo caso è sinonimo di “male e in modo incompleto” visto che mi ritendo soltanto all’inizio dei miei studi e non sono affatto la persona più adatta a guidare qualcuno all’interno di questo mondo. Ad ogni modo per prima cosa ho imparato gli hiragana e i katakana, mi sono scaricato una app per studiare i kanji sul cellulare che uso sempre per ripassare e impararne di nuovi e poi mi sono “imbattuto” in un libro di grammatica (che qualcuno ha uppato su nyaa successivamente). Già in quel periodo avevo iniziato la pratica molto bella e utile di leggermi tweet di persone che mi interessavano o titoli di articoli con l’aiuto di google o di jisho.org. Circa un mese dopo mi sono imbattuto in uno di quei “megapack” sulle lingue che si trovano su 4chan dallo straordinario peso di 27 GB e quello è stato proprio la mia manna perché al suo interno ho trovato corsi in diversi formati audio, vari libri di grammatica, di idiomi, frasari, dizionari nonché libri per bambini e light novel per esercitarsi nella lettura divertendosi e persino guide su come scrivere e-mail o suoi dialetti. Da lì in avanti mi sono ritagliato degli stralci di tempo quasi tutti giorni da dedicare all’esercizio ma, come ho anticipato sopra, non credo minimamente di essere ad un livello decente e, forse, a posteriori avrei dovuto evitare di fondare FFA l’anno scorso, concentrando le mie energie del “tempo libero” sul giapponese ma oramai tornare indietro sui propri passi sarebbe troppo frustrante e certamente finirei con l’avere ancora più rimpianti di ora. Il consiglio principale che mi sento di dare è quello di impegnarsi consapevoli che bisognerà affrontare moltissime difficoltà, tanto tempo verrà perso per imparare sempre troppo poco, senza pretendere di riuscire a leggersi un romanzo in 6 mesi e senza abbattersi quando sembra che i kanji e le espressioni da imparare siano troppe. Non bisogna mai rallentare troppo, che in realtà è quanto mi sta succedendo in questo periodo a causa della scuola, e soprattutto non bisogna mai fermarsi.

Sicuramente che i colossi dell’intrattenimento mondiale si interessino a quanto viene normalmente considerato ” territorio anime” è un fatto importante per il futuro del medium, perché ci saranno dei cambiamenti più o meno grandi su come sarà possibile produrre e finanziare i cartoni animati. Potrei scriverci un articolo un giorno, quando sarà possibile ricavare più informazioni sui loro anime. Ovviamente non esiste una situazione unica per cui ora ti elencherò tutte quelle di cui sono a conoscenza in merito a licenze e fondi:
1)Netflix compra i diritti per il mondo intero, facendo guadagnare molto denaro al comitato di produzione. In quel caso la sua presenza è determinante per il successo dell’anime ma non classifica il cartone come “A Netflix original show”, solitamente. Stiamo parlando di lavori come Violet Evergarden e Knight of Sidonia.
2) Netflix partecipa al comitato di produzione per ottenere i diritti esclusivi sull’anime più facilmente e classifica lo show come “A Netflix original show”. Blame! è l’unico anime di questa categoria per ora.
3)Netlfix è il membro più importante del comitato di produzione, gli altri membri hanno l’unico scopo di utilizzare le loro competenze professionali per espandere il franchise(tramite eventi dal vivo, merchandise e smili). DEvilman Crybaby è il primo anime che mi viene in mente di questa categoria.
4)”A Netflix original show” occidentali che vengono parizialmente subappaltati(outsourcing) anche a professionisti e studi giapponesi, l’unico caso per ora credo sia Neo Yokio. Va detto che tutto il processo di produzione delle animazioni di quel cartone è stata realizzato in Corea.

撮影(Satsuei),che è la fase precedente rispetto al video editing, è un credito che viene utilizzato sia per chi compone i vari layer da inserire nell’immagine animata che per chi si dedica all’inserire i vari effetti di fotografia. Come tu stesso probabilmente avrai notato, i due lavori sono correlati se non addirittura si tratta di due macrofasi di un processo di entità maggiore: nella fase di compositing si mettono insieme gli elmenti precedentemente realizzati in un’unico cut(personaggi, elementi in CG, 2D works vari e background) e nella fase di fotografia vengono inseriti degli effetti che incidono sulla luminosità della scena attraverso prodotti con appositi programmi per completare quell’unità narrativa. Negli anime realizzati prima dell’era digitale e durante il periodo di passaggio spesso veniva usato il credito 特殊効果(Tokushukouka) per indicare la fotografia analogica. Il mio film dal vivo preferito è sicuramente Tetsuo di Shinya Tsukamoto. Gli attori cinematografici in senso stretto non mi piacciono particolarmente, non posso negarlo, però uno che ha fatto anche cinema (che comunque non era affatto la sua attività principale) e per il quale provo un profondo sentimento di stima e riverenza è Carmelo Bene.

Il self-insert di Yamakan in Kannagi
Solitamente i registi inseriscono nei loro anime tematiche a loro care grazie all’arte dello storyboarding e della scrittura. Lui no, sfrutta i cut a sua disposizione per fare dichiarazioni provocatorie prive di un qualsivoglia interesse per lo spettatore. https://imgur.com/a/m58Ds

Mediamente si parla di 8 frames al secondo, ma si può arrivare anche a 4,5,6 o perfino 12. Il numero di keyframes cambia da scena a scena, non c’è una vera ratio standard per quanto riguarda i keyframes, dipende molto dall’animatore(molto spesso non si supera il 50% di key e il 50% di inbetween). Il Kanada Style è un classico esempio che si usa per affermare come conti molto di più un timing ben studiato rispetto ad un alto numero di frames

La second season e il film saranno completamente diversi senza Tatsuki. Non voglio avere una opinione troppo forte su quanto fatto da Kadokawa perché ancora la questione non si è conclusa e sono certo che ulteriori dettagli verrano rivelati nelle prossime settimane. Da fan della serie posso dire che sono estremamente dispiaciuto e che se non c’è modo per tornare indietro con ogni probabilità sarò deluso dai prossimi progetti animati del franchise.

Non esiste un sito che posti screencap di ogni anime e che è abbastanza facile da navigare in lingua inglese ma è un argomento che molto diffuso nel mondo dell’aniblogging JP, anche se non esiste un sito che si occupi solo di questo in maniera soddisfacente persino in Giappone. La parola chiave per fare ricerche su Google è TV放送版/BD・DVD版比較 + il titolo dell’anime.

implicando che sia una serie tv late night dico:
Yamada: regia generale e storyboard di qualche episodio
Ishidate: regia episodi con trama extra
Kigami: Storyboard e Key Animation dei momenti topici
Fujita: OP/ED Director
Tanaka(Romeo): Original Story/Script/Series Composition
Horiguchi: CD e tutto ciò che c’è di relato
Satou: Main Animator
Takao(Kazuya): Fotografia
Tamura(Seiki): Art director(ricordiamo il legame che ha con la Yamada dal film di K-on)
Yamamura(Rin): 3DCG director
Tsuruoka: Sound director
Hatta: Planning/animation producer
Yorimizu(Yashifumi): Music Producer
Oohashi: Animation Producer /Line Producer

Di solito preferisco guardare i cartoni animati giapponesi col doppiaggio originale. Si tratta di una scelta “politica”, non semplicemente di una preferenza nemmeno particolarmente motivata qualitativamente visto che per esempio molti doppiaggi italiani li preferisco alle controparti giapponesi(Bebop, Eva, Mawaru Penguindrum, Ghost in the Shell, Patlabor e gli OAV di Kenshin, giusto per citarne alcuni). Dico “politica” perché un doppiaggio può stravolgere la mia visione di un anime, negativamente o positivamente, e da critico intendo analizzare il prodotto originale, non una delle sue varie localizzazioni più o meno belle. Dal mio punto di vista un doppiaggio in lingua straniera è sempre un piccolo Robotech, un prodotto finito diverso rispetto all’originale. Si perdono poi con l’adattamento italiano i vari dialetti giapponesi o l’uso di certe parlate particolari spesso, cosa che non apprezzo tanto da “persona che sta imparando il giapponese”. Ovviamente non voglio invitarvi a fare come me, se guardate anime per passare delle ore piacevoli il doppiaggio italiano è una buona scelta tra tutte le possibilità, eccetto in casi che mi sento di definire rari. Gli anime dove non parlano in modo particolarmente elaborato come LWA li riesco a vedere senza problemi in raw, magari non capisco qualche singola parola ma non mi trovo mai ad avere difficoltà a comprendere i discorsi dei personaggi. Molti late night anime li guardo in sub senza focalizzarmi sui sottotitoli tranne quando non capisco qualcosa. Gli anime in cui si usa spesso una gran quantità di lessico tecnico, dove si parla volutamente in maniera veloce o elaborata come per esempio i vari Monogatari sono avversari ostici. Molto ostici. Però Kizu 3 l’ho visto in raw! Voi direte certamente che non vale perché è più facile dal momento che mancano tutti i monologhi ed avete decisamente ragione su questo.

Il libro(in lingua inglese quantomeno) che più fa conoscere l’animazione giapponese in quanto “animazione” in maniera più completa e senza essere una mera comulazione di informazioni è a mio avviso The Anime Machine di Thomas Lamarre(https://www.amazon.it/Anime-Machine-Media-Theory-Animation/dp/0816651558).

Non esiste una “lyoutbooru” o una “ekontebooru”. Il mio consiglio è quello di cercare su amazon jp o su mandarake il contenuto extra che ti interessa se lo vuoi comprare o al limite di trovarlo piratando tra i vari siti di torrent(nyaa, bakabt, perfect dark, e-hentai ha anche lui tanto materiale) o su sakugabooru. Per alcune serie basta cercare “X + storyboard” su google dove X è il titolo della serie. Va detto che si trova comunque poco in generale.

La tecnica in questione si chiama Unmoving Plaid(http://tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/Main/UnmovingPlaid).

Dipende tanto dal tipo di anime. Se si tratta di un cartone che punta molto su una scrittura dove tutti gli eventi sono estremamente interconnessi tra di loro e per passare da un incipit dell’episodio A ad al finale Z si ha il bisogno di mostrare ogni singolo evento intermedio apprezzo decisamente di più uno storyboarding lineare e in un certo senso “consolidato” da tanti altri casi in cui è riuscito bene. Esempi molto noti di questo tipo di storyboarding interconnessi a questo tipo di sceneggiature possono essere Legend of Galactic Heroes, Hibike Euphonium, Mobile Suit Gundam o anche long running shonen come Naruto o One Piece e persino anime per bambini come Ojamajo Doremi. Nei casi in cui ci troviamo di fronte a anime che puntano più che altro ad esprimere concetti, emozioni o sensazioni più o meno precise precise attraverso il linguaggio visuale allora sperimentare diventa quasi un obbligo, per cui la considero quasi una cosa scontata qualche cut molto sopra le righe. Parlo di lavori come Hidamari Sketch, End of Evangelion, 1001 Nights, Aria o California Crisis. Ovviamente non esiste un vero muro tra queste due categorie poiché esistono per la maggior parte mescolanze di questi due tipi di scrittura, questo è un discorso abbastanza esemplificativo.

Premettendo che sono indietro e che ho visto solo i primi 3 episodi, in quei casi ha usato animazione digitale e una forma molto semplice di pittura digitale realizzata completamente da lui. Ha realizzato il tutto in full limited animation.

C’è stato un processo di digital coloring più simile a quello di colorazione della background art in digitale e sono stati usati un sacco di diversi effetti di fotografia per dare al tutto lo speciale tocco che voleva l’animatore. Va detto inoltre che questa scena è stata completamente realizzata dall’animatore/background artist col supporto di Takayo Nishimura, i quali hanno avuto molta “libertà artistica” in termini di colorazione e animation direction.

Hashaide sawaide utatchae
PAPA MAMA sensei gamigami ojisan
“Urusa-i” nante ne kazan ga dai funka

Mi hai fatto venire curiosità, mi sa che me lo vedo!

Si tratta di una domanda piuttosto complicata, difficilmente sceglierei una sola persona “idealmente”. Mi vengono in mente spontaneamente un po’ di idee:
1)Alvise aka Mal. Molto bravo sopratutto quando c’è da fare appreciation posting. In generale tutto lo staff del Bakugai è molto indicato.
2) Kitayama. Lo vedrei bene sopratutto nei reportage. Magari su qualche argomento specifico che non conosco bene.
3) Cupo. Sarebbe fighissimo avere un webcomic, anche breve, sul sito.
4) Gennaro aka Metaldevilgear
5) Lord Blacker.
Se si esce dai confini nazionali ci sono davvero tante persone da nominare, in primo luogo direi Kvin, RonSnow, Sajiya, Someani, Ultimatemegax, Alecchi, Uzunare, Futon, Blou…cavolo, sono davvero troppi!

Sì, esiste
https://www.anikore.jp
questo è decisamente il sito più usato in “stile” MAL.

Dire che lo conosco bene sarebbe decisamente falso, perché per conoscerlo bene ci vogliono anni di profondo studio, ma anche dire che conosco solo parole come 作画, 監督, 中途採用 o 井上 俊之 sarebbe falso perché comunque riesco a leggere con le mie conoscenze attuali alcuni manga semplici, i vari tweet, il 90% dei siti di notizie sugli anime/manga e a chattare con giapponesi senza cercare troppo sul dizionario. Sono una via di mezzo, anche se forse più che stare davvero nel mezzo sono decisamente più vicino alla tua seconda ipotesi(ride). Beh io essenzialmente ho imparato hiragana e katakana(i due alfabeti), poi ho iniziato a imparmi kanji su kanji(gli “ideogrammi”) mentre comunque leggevo un po’ di come era fatta la grammatica. Poi dopo avere imparato un centinaio di kanji ho iniziato a cercare di leggere vari messaggi semplici come i tweet o simili, imparando così nuove espressioni ogni volta che trovavo qualcosa che non conoscevo(aka sempre visto che 100 è un numero davvero basso). Poi ho iniziato a leggermi le varie liste “scolastiche” per capire in cosa avrei dovuto rinforzarmi ed ho iniziato ad avere delle corrispondenze regolari con amici di penna giapponesi per migliorare ancora. Poi tutto ha continuato a procedere in maniera molto regolare. Arrivato a questo punto posso dire solo che non finirò mai di imparare per davvero, perché i concetti da assimilare sono davvero moltissimissimi per cui dire che “ho imparato il giapponese” mi pare una eresia. Va detto che tutte le espressioni su cui sono insicuro nella traduzione delle interviste etc etc vengono checkate da un amico madrelingua prima della pubblicazione.

Yoshinari Saitou si scrive 斉藤良成, Yoshinari Kou 吉成鋼 mentre Yoshinari You è 吉成曜. Credo quindi che Yoshinari Saitou non centri niente con gli altri due, perché ha un cognome diverso. Dovrebbero essere 2, insomma.

Facciamo due liste: tra quelli che preferisco soggettivamente, anche per via dell’amicizia che ci lega ci sono ovviamente Lord Blacker(https://www.youtube.com/user/LordBlackerITA), Italo di AMI(https://www.youtube.com/user/AnimeeMangaITA), Giaggiu(https://www.youtube.com/channel/UC3JBvPKdpCFA8B3ZR9j459A) e Calu Luna(https://www.youtube.com/channel/UCYn9-O-epHXp8L6isRsM8mw). Tra quelli che invece vi consiglio indipendentemente dal rapporto che ho con loro sono Kenji The Engi(https://www.youtube.com/user/excaliburtealord/videos in realtà grande amico personale del sottoscritto ma che anche se fosse il peggior essere umano su questa terra consiglierei), Pause and Select(https://www.youtube.com/channel/UCfpDNSkMPnmMwZHhUyplbZg siamo legati da un rapporto di stima più che di amicizia), Sent ~ Anime Stuff(https://www.youtube.com/channel/UC55RASmWUgxW92IhkeR2fGQ mai parlato con lui in vita mia) e ovviamente Toshio Okada(molti video sono in giapponese senza sub https://www.youtube.com/user/toshiookada0701). Sempre sul versante del Giappone ci sono tanti altri canali (tipo questo https://www.youtube.com/channel/UCRYuHKwhgfCighvhR3n151w) ma sono principalmente animation talk e how to, quindi non so quanto possano essere integrati in questa lista. Ad ogni modo considero la Blogosfera un posto che amo frequentare molto di più, quindi non mi ritengo così esperto, magari ho saltato qualcuno di veramente valido.

Beh, vuoi sapere la backstory di Far from Animation e allora te la racconterò: originariamente ero un semplice utente di Anime e Manga[ITA] che guardava anime e leggeva molti manga. Mi “informavo” guardando i video di Paolo ed Italo ma dopo la scoperta della oramai notissima sakugabooru da parte di un amico ho iniziato a conoscere molte persone ben più informate di loro e che espandevano le loro analisi verso aspetti tecnici di diverso tipo e che mi hanno rempito la testa di nomi e di un certo corposo glossario tecnico. Da quel momento ho iniziato a leggere libri sulla “cultura otaku”, quei pochi articoli che trovavo in giro, ho visto tutti(letteralmente) i post della sakugabooru di allora. Ad un certo punto mi sono reso conto che i video di Paolo non facevano più per me e che forse un giorno avrei potuto essere una alternativa a quel tipo di contenuti, producendo qualcosa di completamente nuovo qui in Italia. Poi grazie anche all’impulso di alcuni amici ho iniziato ad imparare il giapponese, una battaglia che probabilmente non finirà mai con ogni probabilità, e da lì ho iniziato ad informarmi anche da fonti in lingua “originale” se così possiamo dire. Più recentemente mi sono inseito in varie community “d’elite” con forte presenza di esperti (Yuyukow aka Kvin, Libo, Megax, RonSnow) o di youtuber americani(Kenji The Engi, Pause and Select, Digibro). In un certo senso, queste persone mi hanno “scosso” grazie alla loro serietà e alla loro voglia di fare, mi stanno davvero spingendo a rivaleggiare con la qualità dei loro contenuti attraverso i miei articoli. Ecco, forse posso dire che non c’è stata una scossa sola ma un continuo insieme di scosse ogni volta che mi sono trovato impreparato su di un argomento, ogni volta che ho trovato qualcuno di decisamente più bravo di me ed ogni volta che mi sono reso conto di quanto tragicamente stupendo sia il mondo degli anime, di quanto sia pieno di dolore e solitudine eppure così pieno di stile, di estetica, di riferimenti culturali e di pattern complesse. Penso che espanderò i contenuti di questa domanda magari nell’articolo speciale dedicato ai 50 post sul sito. Magari parlerò più approfonditamente delle mie influenze e delle varie fasi che ho affrontato, se ti sembra un argomento interessante. Non che voglia fare del blogging autoreferenziale, sarà qualcosa di speciale per commemorare questo traguardo!

Esistono ma non sono certo della loro “adeguatezza”. Sono criteri “classici” in un certo senso, che non sempre si adattano alle storie che sono trainate da altre loro caratteristiche tecniche(per esempio la qualità della prosa in un romanzo, le visual inventive di un cartone animato o la recitazione magistrale di un attore a teatro). Ad ogni modo: in primo luogo occorre considerare come le situazioni vengono messe in scena, in che modo sono rese credibili, come vengono contestualizzate. Se per esempio narro una storia in cui i principali personaggi continuano a morire per creare tensione e drama non posso sperare in una grande reazione dello spettatore ogni singola volta che questo succederà, finirò col fallire come scrittore se non sono in grado di “contestualizzare” ogni morte importante appunto. Poi dobbiamo valutare come lo sceneggiatore cerca di farci interessare ad una certa situazione: uno dei principali problemi del recente Little Witch Academia in molti episodi stava proprio nella mancanza di questo elemento, non sempre era così facile provare empatia con i personaggi, non sempre era così facile affezionarsi alle loro problematiche passeggere. Questo probabilmente per la mancanza di scene in cui ci siamo potuti confrontare con loro, di scene in cui ci siamo potuti sentire un po’ loro. Poi va individuato come le informazioni vengono trasmesse allo spettatore, se questo viene fatto in maniera chiara quando si pretende che vengano subito recepite o soltanto di sfuggita quando si vuole far sì che sia lo spettatore a ricomporre tutti i pezzi del puzzle. Sempre in merito alle informazioni è molto importante considerare il mezzo con cui sono trasmesse: spesso piuttosto che un dialogo, per quanto sia meno costoso, sarebbe meglio mostrare le nuove informazioni attraverso immagini o descrizioni. Utilizzare troppo questa tecnica però potrebbe rendere i nostri personaggi piuttosto rigidi e privi di carattere. Inoltre va considerata la presenza di possibili informazioni mancanti davvero necessarie(plothole) ed eventualmente come è possibile giustificarli a fini narrativi. Ci sono tanti altri aspetti da considerare ma questi ritengo siano i principali. Ma ripeto, non sempre si adattano bene alle storie che volete valutare. Nei migliori anime la sceneggiatura si sposa con tutti gli altri elementi tecnici in maniera tale non poter più essere così distinguibile singolarmente.

In riferimento agli anime e simili direi almeno 1 anno. 2 Forse. Ad ogni modo non credo proprio di saperlo sfruttare al 100%

Beh, mi pare una bella idea. Su FB non mi piace tanto l’idea di fare una live(serve la webcam e io non ho voglia di comprarne una o di mostrare il mio volto che fa espressioni strane) però magari su Twitch o su Youtube si potrebbe provare a farne una. Vi avviserò con un discreto preavviso. Ovviamente se avete altri suggerimenti sull’argomento mandatemeli pure(per esempio in quale giorno della settimana lo preferireste e simili). Grazie mille!

Solitamente mando un messaggio privato su Facebook/Twitter alla persona che desidero intervistare con tutti i dettagli e le condizioni dell’intervista. Le liste d’attesa esistono ma mi è capitato solo con Usami di dover aspettare mesi, gli altri hanno risposto tutti nel giro di 1-2 giorni. Oppure non hanno risposto proprio. Vero Morishita? (ride)

Ci sono tante cose che vorrei fare ed alcune di esse sono decisamente obiettivi importanti per cui vale la pena impegnarsi però mi trovo costretto ad ammettere che al momento mi sento realizzato esattamente per quel che sono oggi. Ecco, sicuramente mi piacerebbe riuscire ad intendermi di più di computer/IT general stuff, riuscire a migliorare il mio livello di inglese e di giapponese e magari rendere il blog un’attività più seria un giorno. Non tanto perché mi farebbero sentire una persona migliore ma perché sono cose davvero utili per quel che faccio nella vita di tutti i giorni.

il credito 原画(Genga) o 一原(Ichigen) si riferisce a cosa è stato prodotto dai 原画マン(Gengaman), ovvero dai key animators. Per cui dire “Hironori Tanaka in questo momento sta disegnando dei genga” è assolutamente giusto. Insomma, gengaman è il key animator mentre genga è il prodotto del suo lavoro. Sakuga si scrive 作画 che vuol dire semplicemente immagine disegnata, disegnare un’immagine o fare una fotografia(in alcuni casi). L’utilizzare questa parola nel linguaggio tecnico è dovuto al fatto che esiste appunto il credito di 作画監督, ovvero di sakuga kantoku, che non è altri che il “supervisore delle immagini disegnate”. Che è in realtà una affermazione non del tutto corretto però perché egli sarebbe più che altro il 原画監督, ovvero il “supervisore dei keyframes”. C’è da dire poi che questa accezione non è del tutto occidentale, perché esistono appunto i 作画オタク(Sakuga otaku) che non sono i “nerd del disegno” ma gli appassionati delle animazioni(di qualità). Il termine già era usato nella community giapponese e di fatto noi lo abbiamo semplicemente importato.

Ho scritto 11 cose che mi sembravano, boh, interessanti da sapere ma che ancora non conosco bene per questo motivo. Full risposta qui https://pastebin.com/p3DbnEJD

Esistono due 2 FAR
Uno è quello vero
l’altro è Yoel Carlos che spamma gli articoli su internet.
Scherzi a parte esiste un solo e unico vero FAR che fa tutte queste cose e anche altre!

qualcuno c’è. In primo luogo Goro Miyazaki per via della mancanza di molte skills essenziali per chi dirige anime movie come lui. Terramare sotto quasi ogni punto di vista per me è un vero disastro: non ha idea di come realizzare i suoi storyboard, spesso la background art risulta troppo d’impatto rispetto ai movimenti dei personaggi o al tipo di scena da rappresentare e ha sprecato tanti grandi animatori su cut basati su layout a volte molto mediocri. La collina dei papaveri mi piace molto di più proprio perché si nota molto meno la sua “mano”. Poi c’è Yamakan ma perché con lui c’è una storia personale dietro: si è comportato in maniera molto rude con me bloccandomi dopo una semplice domanda. Otretutto non ha mai diretto nulla di davvero bello e spesso e volentieri è stato cacciato dai vari progetti a cui ha lavorato. Non sopporto Ikuhara in parte, lo apprezzo molto come regista ma ogni volta che sento un fan(occidentale) elogiarlo mi metto le mani nei capelli per la mancanza di conoscenze in merito alle influenze e alle citazioni preferite del regista, perché c’è tanto di altri scrittori e registi nelle sue opere. Purtroppo però non posso semplicemente inserirmi nelle discussioni dicendo “Ehi, il suo stile mi ricord molto quello di Dezaki, alla fine tante cose le facevano altrettanto bene anche 20 anni prima” perché qui in italia quasi nessuno ha visto niente di Dezaki.
Per questo mi è difficile parlare di lui ma lo rispetto molto per aver portato avanti lo stile del regista di Oniisama e come nessuno sarebbe stato in grado di fare. Per cui sì, non lo sopporto tanto ma non per motivi giustificabili come gli altri due. Fan di Ikuhara di tutto il mondo: vi chiedo di perdonarmi e guardarvi almeno Oniisama e Ace wo Nerae!

ti dico qualche film che recentemente ho visto e che mi è piaciuto: Long Way North, Heavy Metal, Wizards, L’Illusionniste(a rewatch actually) e Havoc in Heaven. Il mio cartone “occidentale” preferito è Xavier: Renegade Angel. è un po’ un peccato doverlo descrivere in poche parole ma posso dire senza sbagliarmi che è un misto tra i video di Cool 3D World, Rick and Morty e un comico molto surreale sotto acidi.

Questa è sicuramente una domanda molto difficile perché è passato davvero molto tempo e la mia memoria non è sempre così forte. Forse Evangelion nel 2013 quando si parla di preproduzione in generale, sicuramente Space Dandy nel 2014 e Kill la Kill quando si parla di registi, character designer, sakuga e simili. Nel 2015 dopo essermi riappassionato alle arti figurative ho inizato anche a vedere la background art in maniera più “tecnica”. Per quanto riguarda la invece l’economia degli anime siamo nel 2016 con i primi dati di Flip Flappers: non ho mai deciso di farlo prima per via della gran mancanza di informazioni nell’internet inglese ed è un fatto molto correlato all’aver cominciato a riuscire a leggere un pochino il giapponese.

Sì, e io sono lo spirito di Yoshinori Kanada incarnato.
Spero tanto che tu abbia ragione.

Sarà un articolo della serie “uno sguardo alla carriera” e verrà ben messo in evidenza come la sua tecnica e il suo stile si sono evoluti negli anni. Ti ringrazio molto.

Saremmo messi peggio di ora ma neanche così tanto, mi permetto di dire. Dopotutto produco sopratutto contenuti originali o traduzioni di scritti che non provengono dalle mani di kvin.